Hoci Munchovo dielo bolo dlho interpretované prostredníctvom psychologického expresionizmu, výstava sa dotýka aj širšieho kultúrneho dedičstva, v ktorom predmoderná a gotická estetika – poznačená emocionálnou intenzitou a ostrým zobrazením lásky, utrpenia a smrteľnosti – otvára ďalšie možnosti interpretácie jeho obrazov a ich existenčných výziev. Tento rámec zdôrazňuje presvedčivé paralely so Stiplovou umeleckou tvorbou, v ktorej fragmentovaná, zakrytá a ritualizovaná ľudská postava sa stáva prahom medzi materiálnym a nehmotným, časovým a nadčasovým.
Hoci Edvard Munch (1863–1944) je často interpretovaný cez prizmu modernej psychológie, traumy a symbolistickej introspekcie, jeho miesto v dejinách umenia sa tiež spája so zvýšeným umeleckým záujmom na prelome storočí o emocionálnu silu stredovekej obraznosti ako protiváhy racionality industriálnej éry. Munch, ktorý vyrastal v Kristianii (Oslo) v rodine poznačenej chorobami, predčasnými stratami a luteránskou askézou, si vytvoril vizuálny jazyk, v ktorom láska, smrť, túžba, úzkosť a metafyzická túžba sa stali neoddeliteľnými od materiality obrazu. Jeho diela sú nielen prejavom autobiografickej naliehavosti, ale aj modernej reaktivácie stredovekých foriem.
Jedným zo spôsobov, ako pochopiť Munchov význam, je vidieť, ako spája gotickú intenzitu s modernou subjektivitou, a posvätné motívy premieňa na existenciálne alegórie. Munchove diela, ktoré výstava prezentuje, predstavujú odlišný aspekt jeho umeleckého univerza, ktorý je formovaný opakujúcimi sa záujmami o pamäť, smrteľnosť a kozmológiu.
"Spomienka na detstvo" (1892) je intímnou reflexiou osamelosti a emocionálnych rán, ktoré formovala predčasná smrť Munchovej matky a sestry. Žena a dieťa kráčajú po ulici k vzdialenej kostolnej veži. Ich tváre sú odvrátené alebo zakryté. Grafická kvalita diela robí scénu krehkou, takmer rozpadajúcou sa. Beztvárnosť postáv nefunguje ako anonymita, ale ako univerzálnosť: smútok sa stáva archetypálnym ľudským stavom. Munch transformuje osobnú traumu na moderné memento zraniteľnosti a stratu vnáša do vizuálneho jazyka každodenného života.
"Autoportrét" (1895) predstavuje Munchovu tvár a hornú časť trupu vynárajúce sa z hlbokého čierneho pozadia. Tým redukuje obraz na ostrú konfrontáciu so samotným ja. Portrét, oprostený od symbolických atribútov, inscenuje stretnutie s umelcovou vlastnou prítomnosťou prostredníctvom radikálnej jednoduchosti. Osvetlená tvár, izolovaná od okolitej tmy, vyjadruje tichý pocit zraniteľnosti a existenčnej neistoty. Munch tu premieňa tradičný autoportrét na vyprázdnený psychologický priestor, v ktorom sa ja javí ako zavesený medzi prítomnosťou a zmiznutím.
"Strom života" (1910) rozširuje tento intímny register do kozmickej podoby. Motív, ktorý nesie rezonancie z teológie a mytológie, sa stáva veľkolepou alegóriou moderného života duše. Nevinnosť, vášeň, láska, žiarlivosť, zúfalstvo a smrť sa prepletajú v rozvetvenom kontinuu. Ústredná organická forma vyjadruje existenciálne a emocionálne cykly. Jej korene v mystických kozmológiách podčiarkujú Munchovu inklináciu k archaickým symbolom a mýtickým rámcom ako prostriedkom vyjadrenia vnútorných stavov. Jeho interpretácia je však jednoznačne moderná: strom sa nestáva symbolom večného poriadku, ale krehkou, chvejúcou sa štruktúrou poznačenou emocionálnou nestabilitou.
Richard Stipl so svojím umeleckým jazykom vstupuje do dialógu prostredníctvom spoločnej orientácie na telo ako symbolického nositeľa existenčných stavov. Jeho diela sa stávajú miestami, kde sa prelínajú materialita a mystika, krehkosť a transcendencia, stelesnenie a alegória. Postavy v Stiplových najnovších dielach čerpajú z vizuálneho jazyka a techník stredovekej maľby. Tie transformuje z historického odkazu do súčasnej konceptuálnej štruktúry. Gotika mu ponúka rámec, v ktorom ľudská skúsenosť nie je ilustrovaná, ale ritualizovaná. Toto umelecko–historické dedičstvo vidno v tom, ako autor narába s fragmentovanými, zranenými alebo označenými telami a vníma ich ako miesta, kde sa stretáva materiálna prítomnosť, symbolický význam a prepojené dedičstvo posvätného a profánneho.
"Vezmi si môj tieň a daj mi lásku", ktoré dalo názov výstave, ilustruje Stiplov záujem o prepojenie rôznych vizuálnych tradícií. Dielo, koncipované ako obojstranný objekt, ktorý spája sochárstvo a maľbu, na jednej strane predstavuje vyrezávaný diptych reliéfov, ktorý odráža štylizované, emblematické spracovanie ľudskej postavy známe zo stredovekého umenia. Na druhej strane siaha Stipl po inom médiu: temných atmosférických krajinách, ktoré pripomínajú romantické maliarstvo, doplnené o drobné ľudské postavy zatienené rozľahlosťou prírody a zvyškami gotickej architektúry. Juxtapozícia týchto dvoch metód vytvára dynamiku, v ktorej sa ľudská skúsenosť stáva intímnou a monumentálnou zároveň.
"Konečnosť" sa rozvíja ako súhvezdie reliéfnych panelov, v ktorých zastavané priestory, prírodné útvary a atmosférické motívy sú umiestnené v zámernej blízkosti. Stipl usporiadal schodiská, hmlové komory, geologické krivky a fragmentárny pár očí do jedného kompozitného poľa, čím umožňuje uzavretým, človekom vytvoreným štruktúram stretnúť sa so zdanlivo nekonečnými priestranstvami oblohy a krajiny. Jeden panel – jeho vysoké, rytmicky stúpajúce kmene stromov – odráža spôsob, akým Munch pristupoval k motívu lesa: ako k tajomnej, nahor stúpajúcej architektúre, ktorej výška a pravidelnosť pripomínali interiér katedrály. Aj tu sa les stáva menej prírodnou scenériou a skôr priestorovou metaforou, štruktúrou, ktorá nabáda k kontemplácii mierky, hĺbky a hraníc vnímania. Čiastočne vykreslené oči prinášajú stopu ľudskej prítomnosti, pozorovateľa držaného v rámci samotných obmedzení, ktoré dielo tematizuje. V Konečnosti autor zobrazuje napätie medzi nesmiernosťou sveta a úzkym otvorom ľudského chápania. Tým naznačuje, že naše pokusy uchopiť celok priestoru nevyhnutne zostávajú fragmentárne.
V dielach ako "Petit Mort a How Soon Is Now?" reaktivuje Stipl štruktúru oltárneho obrazu, formát historicky nabitý zbožnou intenzitou a existenciálnou drámou, a zároveň ho vnáša do osobných a súčasných významových vrstiev. V diele "Petit Mort" je konfigurácia okrídleného oltára nahradená tradičnou ikonografiou svätých lebkami. Ležiacu ženskú postavu v strede sprevádza pes – tradične považovaný za symbol vernosti – a otvorené okno nad ňou, ktoré naznačuje prechod medzi životom a smrťou. Názov, ktorý odkazuje na francúzsky výraz pre orgazmus, nenápadne pretvára dielo na meditáciu o vášni, túžbe, odovzdaní sa a blízkosti rozkoše a smrti.
V diele "How Soon Is Now?" lemujú zranené torzá pustú krajinu hôr pod prorockým nápisom. Torzá, ktoré nie sú hrdinské ani sentimentálne, odhaľujú telo ako miesto metafyzickej zraniteľnosti. Veta, objavujúca sa v názve a v strede diela, odkazuje na ikonickú pieseň vplyvnej britskej kapely The Smiths. Namiesto aby pôsobila ako priama citácia, veta – posolstvo vytvára atmosféru časového pozastavenia a túžby, v ktorej sa rozuzlenie donekonečna odkladá.
Rozsiahla inštalácia "Vízia" sa odvíja ako rozsiahle sochárske prostredie, v ktorom sú ľudské telá, fragmentované končatiny, zvieratá a hybridné formy zhromaždené do kvázi rituálneho divadla. Inštalácia spája materialitu a mystiku: vyrezávané drevené povrchy sa presúvajú medzi hyperreálnou telesnosťou a symbolickou abstraciou, pričom odrážajú súčasný sochársky realizmus aj alegorickú figuráciu gotického umenia. V rámci tohto preplneného zoskupenia sa telo stáva miestom, kde sa stretávajú posvätné a profánne registre. Ozveny náboženského sochárstva, mučeníckych scén a bestiárov koexistujú s obrazmi telesnej zraniteľnosti, rozkladu a všednej odhalenosti. Stipl prináša viacero umelecko–historických paradigiem súčasne: ikonické stredoveké pózy a moderný sochársky naturalizmus sa objavujú vedľa seba, rozpúšťajúc chronologické hranice v transhistorickej slovnej zásobe. Dramaturgia tejto multifigurálnej kompozície vytvára niečo, čo sa javí ako super-naratív ľudskej existencie, zhromažďujúc fyzické a metafyzické dimenzie v rámci jedného priestorového poľa. Toto nahromadenie telesných stavov – smrteľnosti, túžby, vyčerpania, oddanosti, utrpenia, odolnosti – naznačuje štruktúru pripomínajúcu Munchov obraz Strom života.
Ak Munch priviedol stredovek do dialógu s modernizmom, Stipl posúva tento dialóg do digitálnej éry. Jeho plastika "Algoritmus" predstavuje tetovanú bustu s vyrytými klasickými motívmi a súčasnými digitálnymi symbolmi: logá ChatGPT, TikTok, Tinder, nápis Umelec je algoritmus. Stipl tu artikuluje posthumánnu gotiku, kde sa stretáva posvätné a technologické. Telo sa stáva palimpsestom rôznych ikonografií a tlakov digitalizovanej kultúrnej ekonomiky. Odhaľuje tak, že existenčná zraniteľnosť pretrváva, hoci sily formujúce ja sa posúvajú z metafyzických na algoritmické.
"Vezmi si môj tieň a daj mi lásku", ktorá spojila Edvarda Muncha a Richarda Stipla, odhaľuje spoločný horizont, ktorý presahuje historické rozdiely medzi umelcami. Munch aj Stipl vnímajú telo ako poréznu entitu, prostredníctvom ktorej skúsenosť straty, túžby, zraniteľnosti a transcendencie nadobúdajú viditeľnú formu. Obaja umelci čerpajú zo symbolických jazykov, no transformujú ich do súčasných vyjadrení existenčnej neistoty. Dialóg dvoch umelcov konfrontuje konečnosť ľudského života nie prostredníctvom abstrakcie alebo odstupu, ale prostredníctvom obrazov a foriem, ktoré trvajú na emocionálnej bezprostrednosti.
Kurátorka a autorka textu: Zsófia Máté
